ТРАЕН ОПТИМИЗЪМ В РАЙМУНДО ФИГУРОА
ИНСТРУКЦИИ ЗА ЕЖЕДНЕВИЕТО
на Раймундо Фигероа в One Gallery, София, България.
Педро Велес: В „Инструкции за ежедневния живот“, нова поредица от произведения на Раймундо Фигероа, оп*мизмът се използва като инструмент за овластяване. Колекцията включва единадесет колажа и две картини, центрирани около букет цветя и представени на зрителя като дарове или предложения на траен оп*мизъм сред ежедневните трудности на живота. Маслените пастелни цветни букети заемат цялата горна повърхност. Отдолу ар*стът изгражда колажите си в близки, слоести композиции*, грациозно сглобени с материали, вариращи от акварели, рисунки с мастило и намерени предмети, включително и пощенски марки от места като Арген*на, както и комикси на Арчи от 1960-те години. Ръкописните думи и фрази, надраскани върху повърхностите, звучат като нотки на самоусъвършенстване, сякаш ар*стът гледа отражението си в огледалото, докато произнася ритмично „Бъди успешен; това е заповед” или „Бъдете креативни през целия ден, винаги.” Фигероа, цигулар и студент по музика, разбира как да използва ритъма ефективно в композицията, за да примами зрителя в своя свят на оп*ми *c утвърждения* за душата.
Педро Велес: Как вашето обучение по цигулка повлия на работата ви?
Раймундо Фигероа: Овладяването на цигулката изисква много усилия и отдаденост. Ако двама талантливи млади студенти започнат да учат едновременно, единият да свири на пиано, а другият да свири на цигулка, след две години ученикът по пиано ще свири мелодии, докато ученикът по цигулка ще се учи да поставя пръстите си и как да използвай лъка. Започнах да свиря на цигулка като дете и свирех дълго, може би трийсет или повече години, докато изучавах история на изкуството и създавах изкуство. Научих дисциплината да уча по организиран начин, практикувах гами и арпеджио всеки ден, както и придобих представа за качеството на звука и как звукът се разпространява от ръцете в пространството. Музиката е ефимерно изкуство; след като го слушате, звукът вече е преминал и остава само споменът за него. Имах късмета да имам важни композитори като мои учители, които ме научиха колко е важно да изучавам формата и анализа, ключова форма за всеки обучен музикант. Тази дисциплина също стана част от моя ar*s*c процес. Когато гледате добре балансирана музика, като Симфония № 1 на Малер или Историята на войника на Стравински, можете да видите балансирана естетическа композиция като в рисунка на Брайс Мардън или Сай Туомбли.
Като цигулар съм преводач. Когато свирите произведение от известен композитор, човек става куратор на периода. Потопен в историята, социалните нрави и събития от епохата и как те са повлияли на композитора и композицията. За разлика от това, като художник, работещ с картини, скулптури и колажи, аз съм композиторът. Тази, която определя формата, формите и резонансите на моите композиции. Моите болки отразяват години интроспекция, а музиката е част от личното ми развитие.
ПВ: Ти си запален тенисист. Виждате ли дисциплината в практикуването на спорт като работа в студио?
RF: Разбира се! Играта на тенис и правенето на изкуство са доста сходни по отношение на дисциплина и креативност. На тенис корта властва креативността на играча с различни видове удари – като слайс, завъртане, дропшот и лобове. Това е като как един художник си играе с цветове и форми в своето студио. Но за да сте добри и в двете, трябва да практикувате много. Тенисистите тренират усилено преди мач, а художниците прекарват време в рисуване и планиране, преди да създадат своите шедьоври. След като всички технически аспекти са доминирани, всичко се превръща в умствена игра. Това е предизвикателната част.
PV: Вашата работа заобикаля абстракцията и мистицизма и забелязах, че жестът е постоянен през годините. Рисуването изглежда неразделна част от вашата практика.
RF: През цялата си кариера рисувах и се обучавах, за да стана „виртуоз“ на линията. Силно фокусиран върху създаването на жестова линия, която може да бъде идентифицирана като моя и само моя.
Когато бях на 10 години, майка ми, която учеше в университета, ме водеше със себе си в събота в библиотеката и ми даваше много художествени книги от майстори като Ботичели, Мантеня, Леонардо да Винчи, Матис, Пикасо , и Дали, между другото. Прекарвах сутрините си в копиране на картинките в книгите. Бих използвал акварел и туш, за да рисувам като майсторите. Рисуването се превърна в ежедневен навик. По-късно, когато живеех във Вашингтон, окръг Колумбия, в края на 80-те години на миналия век, срещнах д-р Томас Лоутън, директор на художествената галерия Freer-Sackler в Смитсониън. Той беше много любезен и ме покани да посетя архивите на китайското изкуство, като се съсредоточих специално върху ранните рисунки, създадени с мастило Sumi. Това увеличи желанието ми да работя с традиционни методи. През това време майсторите на философията Конфуций и Лао Дзъ също повлияха върху моята работа.
През 1987 г., докато подготвях работа за биеналето в Сао Пауло, започнах да изучавам психоанализа с д-р Мишел Уудбъри. Психоанализата и психодрамата бяха включени в проучването. Тази практика продължи дълго време и започнах да се интересувам все повече от разбирането на повече за човешкия ум. Преди около 10 години станах ученик на д-р Виктор Бернал и дел Рио,
известен психоаналитик. Резултатът от нашето взаимодействие кулминира в книгата "Y. Bernalerías Y." Публикация, в която абстрактни мисли и истории от ежедневния живот се срещат с абстракция, мистика и рисунки. Днес д-р Стивън Б. Карпман, създателят на значимия „Драматичен триъгълник“, и аз обичаме да обсъждаме теми, свързани с изкуството и творчеството.
PV: Вашите картини също са минимални и жестови, като Брайс Мардън.
RF: Когато се развивах като художник през 70-те години, Институтът за култура на Пуерто Рико предпочиташе фигуративното изкуство поради влиянието на мексиканския Instituto Nacional de Bellas Artes на Острова. По онова време, подобно на другите пуерторикански художници, които бяха преди мен, Рафаел Ферер и Хулио Росадо дел Вале, се борех да се освободя от фигурацията и да намеря собствения си глас и място в света на изкуството. Когато се преместих в Ню Йорк, започнах да експериментирам с езика на абстракцията и намерих вдъхновение в ориенталската философия на минимализма, както направиха и Брайс Мардън и Елсуърт Кели.
PV: Какъв е смисълът зад цветята?
RF: Това не е първият път, когато използвам цветето като символ; Чувствам, че могат да изразят всякакви чувства. Когато създадох поредицата „MIA” през 2013 г., цветята представляваха емоции, свързани с войната в Ирак. Всяка картина имаше стихотворение, но повечето хора се фокусираха върху цветята. Мислеха ги за много красиви, но цветята бяха носейки тежестта на изгубените животи, исках цветята да имат тази двойственост. В известен смисъл цялата ми работа носи двойственост.
Освен цветята, друг символ, който носи много значения, е черепът. В моята неотдавнашна поредица „Инструкции за ежедневния живот“ го използвам като символ на промяна и трансформация, както в много култури, и като нов живот напред, в картата Таро „Мъртвите“.
PV: Забелязах препратки към Cy Twombly в скорошната ви работа. Кои други артисти са повлияли на вашата практика?
RF: Изпитвам огромно възхищение от работата на Twombly. Когато гледам неговата картина „Леда и лебедът“ или „Без заглавие“ (Bolsena), за да спомена няколко, разбирам как едно произведение на изкуството може да бъде обект, който не може да бъде избегнат. Боря се и се стремя да бъда аз и само аз, когато работя върху картините си. Но, както можете да си представите, моето подсъзнание е огромна библиотека, пълна с изображения и познания за историята на изкуството, художници и произведения. Понякога тези препратки могат да излязат автоматично; какво мога да направя Да убия паметта и да продължа напред? Най-голямото влияние върху работата ми идва от художници от Ренесанса като Андреа дел Верокио, Мантеня и Ботичели. Воден съм от използването на цвят, форми и форми и съм фокусиран всеки път върху постигането на най-високото
ниво на виртуозност при рисуване на картините ми. Никой художник не е диктувал използването на пространството като Андреа Мантеня.
PV: Светът на изкуството се наслаждава на обреченост и трагедия, докато вашите скорошни колажи носят оптимизъм. Възприемате ли вашия позитивизъм като политическа позиция?
RF: През последното десетилетие, а сега повече от всякога, бяхме бомбардирани от новинарските медии със страх и дезинформация. Това подхрани поляризацията и недоверието към правителството и един към друг по теми като пандемията, инфлацията, расата, сексуалността и войните, наред с други неща, като по този начин създаде сериозен проблем за човечеството.
Посещаваме училище, когато сме млади и прекарваме дванадесет основни години в класната стая, преди да отидем в колеж, след това допълнителни четири години, за да завършим бакалавърска степен и т.н. В повечето ситуации нашето образование не включва изучаване на нашите вътрешни емоции. Можем да сме високо образовани в конкретна област, но да ни липсват знания за ума. Всеки от нас има силата да се трансформира чрез разбиране и анализиране на собствените си емоции. Вярвам, че това самопознание е толкова свято и важно, колкото всяка политическа позиция. Тази планета е жива и жизнена и всеки от нас трябва да поеме отговорност, за да я направи по-добра.
Какво е красота? Обсъждал съм тази тема задълбочено в моите колажи от 90-те години. За повечето красотата е социален маниер, догма, наложен вкус. Но за мен усещането за доброта, което идва, когато умът и сърцето са в общение с нещо прекрасно, е същността на красотата. Използвайки тази концепция, правя картини. Други колеги артисти, които бяха преди мен, също разбраха тази концепция и последваха този път: Марк Ротко, Рон Горчов, Брис Мардън и Робърт Райман.
Имайте предвид, че живеем в хаотичен свят, а хаосът е равен на случайни промени. Стремя се всеки ден да давам своя собствен принос към изкуството, като правя болки, които са уникални и символични за собствените ми идеи.
Дата на интервюто: 10 ноември 2024 г
Comments